Franche, crue, modelée, tamisée, la lumière est indissociable de l’architecture. Elle définit chaque espace dans son rapport avec l’extérieur, depuis sa source, par l’ouverture qui la laisse filtrer. Elle met en scène volumes et modénatures, et joue avec les matériaux utilisés : elle s’accroche au béton ou à la pierre, se reflète sur le verre…
Les premiers à utiliser la lumière en architecture sont les Égyptiens. Leurs pyramides étaient dirigées vers le ciel pour se rapprocher du divin mais aussi pour puiser le maximum de lumière dans leur architecture et ainsi créer un puits de lumière.

J’ai découvert James Turrell lorsque j’étudiais aux Beaux-Arts, alors que je me documentais sur les artistes travaillant spécifiquement sur la lumière en tant que matériau.
La lumière a été un sujet d’étude. La lumière du ciel me fascine autant qu’elle me nourrit par ses variations, ses intensités.

La puissance de l’expérience de Turrell me bouleverse d’autant qu’elle est totalement universelle. Elle s’apparente à la lumière des rêves.
James Turrell travaille sur la perception de la lumière, comme une expérience mystique.
“La lumière m’intéresse en fait comme la révélation même”
Ses monochromes lumineux ne sont pas des tableaux.
Il nous met en présence de la lumière, il s’agit d’une démarche initiatique et non pas d’un art de la représentation ou du discours.

Cette nouvelle perception de la lumière, s’inscrit dans la continuité d’Yves Klein, de ses monochromes qui ne sont pas des peintures mais des surfaces de pure sensibilité. Yves Klein a donné à cette nouvelle approche une dimension spirituelle.
Ses œuvres matérialisent, rendent perceptibles la lumière et l’espace pour construire une rencontre entre le corps et l’esprit. La lumière affecte le corps mais aussi le cerveau et l’âme. Cette expérience est celle de la méditation.

“L’expérience mystique est une réalité physique pour chacun d’entre nous”.

Les œuvres de Turrell sont des invitations à une redéfinition de nos perceptions vers plus de tactilité. L’objectif n’est pas purement visuel, il est surtout mental et tactile.

Le corps et l’esprit sont immergés, imprégnés dans la lumière même. Ses œuvres nous plongent dans un espace immersif.
La démarche est une invitation à une spiritualité tangible, que chacun peut vivre, expérimenter.

La lumière hypnotise et affecte corps et âme.
Le spectateur fait malgré lui l’expérience de la méditation.

La couleur enveloppe, elle donne une qualité à l’ambiance du lieu.
Elle génère une émotion, une sensation.

L’installation fait partie d’une série intitulée « Skyspaces » et se compose de chambres lumineuses autonomes qui constituent une expérience artistique immersive. Chaque « Skyspace » est une chambre dotée d’une ouverture au plafond, qui s’ouvre vers le ciel.
Les installations « Skyspace » défient la perception et l’expérience de la lumière du spectateur, en faisant converger ciel et terre.

La Maison sur la cascade est une célèbre maison de style Prairie School–moderne–organique construite entre 1935 et 1939, par l’architecte américain Frank Lloyd Wright. Elle est construite sur une chute d’eau de 9 m du monts Allegheny de la municipalité de Stewart, en Pennsylvanie, au sud de l’État de New York aux États-Unis.

Wright développe son style, s’inspirant de formes géométriques, comme le cercle, le carré, le triangle, le rectangle ou l’hexagone.
Il varie l’utilisation des matériaux, préférablement locaux, les méthodes de construction, les couleurs et les textures. Il affirme son souci de concevoir ses maisons en fonction du site où elles sont construites. Il joue avec les éléments naturels du paysage, l’eau, les rochers, les arbres, la végétation, les reliefs, allant souvent jusqu’à incorporer l’aménagement paysager dans les plans.

« En faisant de la nature le thème sous-jacent de toute sa création, il se distinguait des chefs de file de l’architecture moderne qui s’efforçaient d’élaborer une architecture représentative de l’ère de l’industrie et de la machine. »

L’exemple le plus notoire de cette approche est celui de la Maison sur la cascade (Fallingwater house) qu’il conçoit en 1935 à l’âge de soixante-huit ans.
Construite directement sur le rocher, la maison offre une superposition de balcons en porte-à-faux surplombant la rivière attenante. Les angles sont arrondis pour mieux refléter les formes naturelles environnantes. Un escalier mène à une petite plateforme directement au-dessus de la rivière.
Cet authentique chef-d’œuvre attire l’attention sur Wright, lui vaut à nouveau l’intérêt des milieux de l’architecture.

Nombreux sont ceux qui ont considéré la Fallingwater house comme l’un des exemples les plus représentatifs de l’architecture organique où l’homme et la nature sont étroitement liés.

Dans cette œuvre architecturale, Frank Lloyd Wright a été précurseur en utilisant le liège comme revêtement décoratif et technique pour le sol et le mur. Dans les pièces d’eau de la chambre du propriétaire, comme dans celles des invités, le liège parcourt le sol et les murs et donne à l’ensemble une impression à la fois feutrée et terreuse.

Wright était un architecte de l’harmonie.

Les maisons P.A.T.H. sont qualifiées à énergie positive et se distinguent par leur design lumineux et intemporel signé Philippe Starck.
Chaque maison est proposée en trois types de structures (enveloppe extérieure tout en verre, combinaison de murs en bois et de surfaces de verre, ou structure entièrement faite de bois)

Les maisons P.A.T.H. incarnent la deuxième génération de l’habitat à énergie positive. Elles sont construites selon les méthodes de préfabrication industrielles les plus abouties et proposent des solutions technologiques de pointe qui permettent de réduire considérablement les dépenses d’énergie de leurs propriétaires.

« P.A.T.H. est une solution fiable et intelligente pour nous, nos enfants et les enfants de nos enfants face aux enjeux économiques, écologiques et énergétiques »

Le lien avec mon monde de l’architecture d’intérieur, de la création et l’harmonisation

Entre la sphère privée et la sphère urbaine, il n’y a qu’un pas.
Je retrouve la même problématique dans mon domaine, mon monde d’architecte-d’intérieur, artiste-artisanne, faiseuse d’ambiances harmonieuses.

Les êtres-vivants ont besoin de lien avec la nature, avec le vivant. C’est le lien matriciel, et donc par là, le seul remède.
La nature génère équilibre et harmonie. Et elle a la capacité de nous régénérer.
La modernité de la cité, l’urbanisation galopante a coupé ce lien précieux
La nature est le terreau fertile à la conscience, l’expression et la création. Sans la conscience de celle-ci et un accès constant partout autour de lui, l’homme est incomplet par nature, en dysharmonie, “non-comblé” pour revenir à la citation de Debord.

Il y a l’harmonie chez soi, l’harmonie dans son espace de proximité, et dans l’espace urbain par la présence du vivant, de la nature.
Sans cela, la dysharmonie s’installe, créant du manque, engendrant des absurdités, de l’incohérence et éteignant notre flamme créatrice, vivante et vivifiante.

“Il est absolument vital de redonner de l’espace à la nature dans la cité; sans ce lien naturel, l’homme n’est rien, sinon que l’ombre de lui-même”.